domingo, 16 de noviembre de 2014

I Congreso de Fotografía AFOTAR



El sábado 15 de Noviembre, es decir ayer, tuvo lugar el primer congreso de fotografía de la Asociación de Fotógrafos de Torrejón de Ardoz. En cuanto vi el anuncio sabía que no me podía perder un evento así en mi pueblo. La verdad es que me daba igual quien diera las charlas, pero al ver que estaba Mario Rubio, a quien sigo por twitter, tenía que ir.
Otra de las razones que me animó es que no había que pagar entrada, no seáis mal pensados, normalmente este tipo de actividades son carísimas. Tienen que traer a ponentes con experiencia y no se les puede pedir que se paguen la estancia puesto que pierden, además, un día de trabajo y, claro, eso se paga. Pero este congreso era benéfico en favor de Cáritas, con 5 kilos de comida ya tenías pagada la entrada. Así que no había escusa para no pegarse el madrugón un sábado por la mañana.

Antes de entrar a las charlas no podía dejar de pasear por los stands de la entrada.


El más llamativo era el de Herramientas Lightpainting. Tienen material hecho por ellos, muy curioso y dedicado en exclusiva para esta tarea. Gracias a la buena suerte me tocó en el sorteo una linterna mini Maglite suya, porque el paro no me permite invertir en este tipo de material. Os recomiendo pasar por su web. Tienen una gran variedad de material.


El siguiente era el de Mario Rubio (@marioexposure) con su libro. Después de pasar 3 veces por delante me armé de valor y me acerqué a hablar con él. Mira que por twitter algunas veces me he dirigido a él, pero en persona siempre me cortan estas situaciones. Bueno, es un tío muy majo y le compré el libro. En un primer vistazo me parece un libro muy completo, lleno de todas esas obviedades que al ir adquieriendo conocimientos nos olvidamos. A ver cuando empiezo a estudiar y salir de noche. Tendré que engañar a alguien para que se venga conmigo, porque Cris tiene esa mala costumbre de las madres (no quiere dejar al niño sólo en casa).

También estaba Canon, pero como Cris no vino y yo soy de Nikon no les hice caso ;-)


Por último NaturalBook. Que álbumes tan bonitos. Por fuera son espectaculares, pero lo que más me gustó fue la textura de las páginas. Además, tienen una presentación muy original, cajas de madera, bolsas de tela de saco... Son ideales para fotógrafos de boda, pero si queréis hacer un regalo a alguien especial creo que es un álbum ideal. Y tienen Instagram: http://instagram.com/naturalbookspain

Bueno, todo esto está muy bien, pero vamos a lo que importa.

Después de la presentación del presidente de Afotar, José David, empezamos con Mario Rubio y la presentación de su libro.

Además de muchos datos y consejos sobre la fotografía nocturna, me encantó que nos contara anécdotas de sus salidas. Si habéis visto el post anterior (el de hace meses) sabréis que he hecho algo de fotografía nocturna y del cague que pasé, pues me alivió mucho que contara que él también pasa miedo. La suerte que tiene es que no sale nunca sólo, no me extraña, porque un rato con él aprendes un montón. Por ejemplo, como enfocar (con hiperfocal, cuando lo entienda haré un post ;-)) y lo importante que es la composición. Yo soy algo anti composición, no es que no me importe la composición fotográfica, es que me parece que hay gente demasiado estricta y que da igual lo que fotografíes siempre te dirá "no usaste la regla de los tercios". Pero es cierto que en la fotografía nocturna puede ayudar mucho.
Muy importante también es la localización previa y el uso de aplicaciones como google maps o Photopills. Aplicación que también gané en el sorteo pero que no podré utilizar hasta que la saquen para Android.


Después llegó Sara Lobla.  Es una fotógrafa de bodas. Pero no es la típica fotógrafa de bodas, es de esas que ves sus fotos y dices "esta es americana". Tiene una dulzura natural que se refleja es sus fotos. Nos habló de su vida laboral y como abandonó una gran compañía dedicada a las bodas porque decidió crear su propio estilo. En ese momento pensé que fue muy valiente, cuántas veces hemos pensado cada uno en abandonar y seguir nuestros ideales. Pero lo que me dio mucha envidia es que ella fue capaz de encontrar su estilo. Yo aún no lo he encontrado, sigo buscándo. Por cierto, tiene pinterest: https://es.pinterest.com/SaraLobla/



Llegamos a la ponencia más larga de la mañana, pero la que más corta se hizo. Ana Cruz. Fotógrafa de niños y embarazos. Nos habló de su trabajo con bebés y niños, de su trayectoria laboral y de todo lo que ha aprendido. He de decir que su trabajo me pareció excepcional, otra fotógrafa con mucho gusto. Nos contó como se tomó su cambio de fotografía de bodas a fotografía de bebés. Siendo matrona no entendía como se podían sacar imágenes tan bonitas de bebés de pocos días sabiendo ella que realmente estaban hinchados y colorados. Bueno, parece que ha encontrado el truco. Ahora está introduciendo en España un proyecto muy interesante, Fotografía Documental de Familia. Se trata de pasar un día con una familia y documentarlo. Es una buena idea ¿verdad? Tiene facebook.



Por la tarde llegó una ponencia muy interesante, yo me quedé con ganas de más porque Iván Burgos nos enseñó las claves para posicionarnos en internet. Es algo esencial para los fotógrafos profesionales. Hace tiempo que se dice que si no estás en internet no existes, pero ahora ya no sólo basta con tener un blog. Tienes que tener un blog, actualizarlo 2 veces a la semana, enlazar con google plus y facebook, publicar en instagram y tener portfolio en 500px y todo ello publicarlo en twitter. Tremendo, mientras nos contaba todo esto oí algún resoplido de algún fotógrafo, seguramente autónomo, que estaría pensando "¿cuándo podré dormir?" Durante esta charla deseché el deseo de ser fotógrafa profesional. (jeje, risitas por lo bajini de desaliento) Como buen profesional del medio informático tiene todo tipo de redes sociales, os dejo su twitter, @ibm73.


Al final del día, la charla más larga y que más envidia me produjo. Javier de la Torre y Jesús M. García, una pareja muy divertida y que desprende una absoluta pasión por la fotografía. Nos hablaron de su proyecto personal de fotografía nocturna, como comenzaron a desarrollar filtros junto a LucrOit y de sus viajes a Islandia a la caza de auroras boreales. No se dedican profesionalmente a la fotografía, pero dan cursos para explicar su método de trabajo y de postproducción. A ver si pillo alguno. Pasaros por sus webs porque tienen fotos geniales, las de Nueva York son espectaculares.

Y así llegamos al final. Cansada, pero con la sensación de haber captado la ilusión de tanta gente que comparte una misma pasión. Ya estoy deseando que hagan el congreso del año que viene.
Gracias a todos los ponentes y a Afotar.

Marta.

lunes, 25 de agosto de 2014

Fotografía nocturna

La fotografía nocturna es muy bonita y todos los fotógrafos nos sentimos atraídos a ella, pero técnicamente es un poco complicada y algunos la abandonan. A mi lo que me echa para atrás es que hay que trasnochar.
En este post os enseñaré la foto que hice en mi viaje a Orense y os daré unas pautas mínimas que aprendí en un taller de fotografía nocturna.


Esta es la imagen final de 6 minutos que conseguí, pero para llegar a ella hace falta hacer una prueba y cambiar algunos parámetros.
Empezamos:

1. Esencial disparar en raw.
2. Modo manual.
3. Estabilizador off.
4. Quitar reducción de ruido por ISO alto. La prueba la realizaremos con un iso alto y como no vamos a utilizar esa foto no queremos perder tiempo en que la cámara la arregle.
5. Espacio de color Adobe RGB.
6. Reducción de ruido por larga exposición. Desactivado en prueba, activado en la foto final.

FOTO DE PRUEBA

Las fotografías nocturnas necesitan un tiempo de exposición alto (de 6 a 30 minutos), así que necesitamos hacer una imagen de prueba para ver el resultado final antes de perder 15 minutos para no conseguir nada decente.
Procedemos. Quitamos la reducción de ruido, ponemos un ISO de unos 1.600 y un tiempo de apertura de 30 segundos. La foto que obtendremos es bastante similar a la que obtendríamos cambiando todos los parámetros para dispararla a ISO 100.
Si nos gusta como queda sólo tendremos que hacer el cambio a ISO 100, pero si nos parece clara u oscura podemos hacer otra prueba modificando el tiempo. Cuando tengamos más práctica podremos plantear la subida o bajada de tiempo al disparar directamente la imagen final.


Esta es mi imagen de prueba. Está disparada a 1600, f4, 30 segundos.
Quería enfocar las luces del pueblo y las estrellas así que el foco está en infinito, pero si tenéis un objeto en primer plano que queríais enfocar deberíais calcular el hiperfoco.
Decidí dejar un diafragma grande, pero si no queréis sacrificar foco y hacerlo más amplio podéis elegir un f más alto. Evidentemente, el tiempo de exposición sería claramente mucho más largo.

FOTO FINAL

Para calcular el tiempo de exposición final con ISO 100 es sólo un sencillo cálculo de divisiones y multiplicaciones.

1600 - 800 - 400 - 200 - 100
  30''  -   1'  -   2'  -   4'  -   8'

Es decir, para conseguir la misma foto que obtuve con ISO 1600 y 30 segundo, debería disparar con ISO 100 y 8 minutos. Como las luces del pueblo me salían muy brillantes decidí disparar a 6 minutos. Me parecía que sacrificaba poco las estrellas y en el posterior revelado me sería mucho más sencillo en las luces.
-- Antes de disparar no olvidar activar la reducción de ruido por larga exposición.

REVELADO

Retoqué un poco el color del cielo para que quedara más llamativo y bajé un poco la luminosidad de las luces del pueblo.
Para darle algo de volumen y separar las montañas del cielo usé el filtro de Photoshop "Paso Alto" y con una máscara lo eliminé de las luces del pueblo porque las destacaba de una forma muy extraña.

OTROS CONSEJOS

- Es importante buscar los lugares a fotografiar de día y llevar linternas y pilas o baterías de sobra.
- Usa la linterna para ayudarte a enfocar. El enfoque automático no funciona.
- Mejor ir acompañado, así el acojone se comparte. Yo esta zona que fotografié no la conocía bien y es un bosque con mucha vida salvaje y había muchísimos ruidos. Fui con mi hermano y me tranquilizó bastante, pero la vuelta la hice con el trípode en la mano y agarrando fuertemente la mano de mi hermano.
- Yo no lo he practicado, pero se pueden usar las linternas para iluminar parte del paisaje.

Ahora animaros y a disparar de noche.

lunes, 30 de junio de 2014

Paisajes


     En este nuevo post traigo un tutorial de paisajes. A mí me encanta fotografiar paisajes, pero siempre se me quedan un poco sosos. Después de estudiar este vídeo he mejorado algo, pero estas técnicas hay que interiorizarlas hasta no pensar en ellas.
    El vídeo es de un famoso fotógrafo, Tim Cooper, explica las cosas muy bien. Lo explica de una forma tan sencilla que llegué a pensar "¿Por qué demonios me empeño en hacer las cosas mal?" Tiene varios vídeos y libros explicativos y con tutoriales. En esta web podéis ver su galería: http://timcooper.photoshelter.com/
    Bueno, pasando ya al vídeo. Está en inglés sin subtítulos, es hora y media, pero es muy interesante. Si no sabéis inglés puede que sea un poco pesado, pero con las notas que os voy a poner podréis seguirlo bien. Es importante ver las imágenes, los ejemplos y los diagramas.

    Empecemos:

BALANCE DE BLANCOS

    Lo primero y más importante, la temperatura de color. Algunas cámaras avanzadas puedes elegir la temperatura específica, pero en general será: día, sombra... Esto es lo básico en este punto:
     - No usar el balance de blancos en automático, salvo en interiores, quizás.
     - Disparar siempre según la luz principal:
                Luz día - Si hay sol y puesta de sol
                Nublado - Completamente nublado. Da a la imagen algo de amarillo y naranja para tapar los       azules de las nubes.
                Sombra - Para paisajes que tienen una zona en sombra y otra en sol. También para zonas de sombra. (El diagrama del vídeo en el minuto 9:50 lo explica muy bien, él lo llama Open Shade)
                Auto - Interiores y noche.
    Bien, algunos dirán, ¿por qué pensar tanto en el balance de blancos mientras disparo si lo puedo cambiar en el ordenador? Es cierto, si disparas en raw no hay por qué romperse la cabeza en qué balance poner, pero... Si estoy haciendo una sesión en un parque pongo luz día y no tengo más que retocar las pocas en las que tenga sombra.
     Aunque vosotros sois los que mejor conocéis vuestras cámaras. El automático de la mía no funciona del todo bien y prefiero elegir yo por ella. 


FILTROS PARA PAISAJES

El filtro básico y esencial es el polarizador:
   1. Oscurece el cielo. Al oscurecer el cielo el paisaje destaca más.
   2. Atraviesa la niebla. Elimina el efecto de la niebla, da más contraste y quita los azules.
   3. Quita reflejos.
   4. Aumenta la saturación.



PROFUNDIDAD DE CAMPO

    Como sabréis la profundidad de campo se maneja con la apertura del diafragma. Por tanto, si queremos una gran profundidad de campo debemos disparar con una apertura pequeña. Aunque hay que tener cuidado y no disparar con la menor apertura posible porque las lentes suelen funcionar mal en los extremos. Si tenemos un F22, mejor disparar con un F16.



PUNTO DE ENFOQUE

La regla del 1/3 -2/3 es la básica. Aún no la controlo, pero estoy en ello. 
Enfocar a 1/3 de la imagen para que salga todo enfocado.



POSICIÓN DE LA CÁMARA

La posición de la cámara es lo más importante de todo. Da igual que tengas todos los parámetros establecidos correctamente si después el encuadre está mal. Me gusta lo que dice Tim Cooper: "Seguramente donde pongas el trípode la primera vez será el sitio equivocado."


Un paisaje debe tener 3 elementos: (esto es difícil de traducir)
    - Fondo
    - Primer plano
    - "Plano medio"
Si no tienes los 3 elementos la imagen puede quedar plana. No quiere decir que sea mala, pero no es dinámica. Al igual que es importante crear una relación entre el fondo y el primer plano. Para esto es bueno realizar varias tomas hasta estar seguro de que has conseguido una buena. También la luz es cambiante y afecta mucho al paisaje.

LENTES

No hay uno especial ni mejor que otro, todo depende de lo que quieras conseguir.
Gran angular
   - Hace el fondo pequeño e incluye demasiado.
   - Crea la ilusión de un espacio mucho mayor de lo que es.
   - Exagera el primer plano.
   - Gran profundidad de campo.



Teleobjetivo
   - Hace el fondo más grande, pero muestra muy poco.
   - Comprime los sujetos con el fondo.
   - Aísla el sujeto.
   - Poca profundidad de campo.



Lentes fijas
   - Son complicadas de usar.
   - Muestra la vista natural del paisaje.
   - Crean imágenes realistas.


LUZ

Fotografiar es pintar con luz, así que es algo que tenemos que dominar.
Día soleado: La luz es plana, la imágenes sosas.
Nubes: Con unas pocas nubes se crea mejor luz. Con las nubes hay que ser paciente, las imágenes son más interesantes si las nubes tienen una relación con el paisaje.
Cielos azules: Mejor no incluir demasiado porque puede resultar aburrido.
Luz trasera: En otoño resulta una luz muy interesante.
Nublado: Mejor no incluir el cielo. Estos son buenos días para ríos, cascadas y bosques.
Luz mágica. (amanecer y atardecer): Es una buena luz para mezclar cielo y tierra. La luz da más color y contraste al paisaje. También puedes usar un filtro ND partido o crear un HDR.

(Podéis ver un montón de ejemplos a partir del punto 1:03:20)

COMO DISPARAR CON FILTRO ND PARTIDO

Tenemos una escena más oscura en primer plano que en el fondo, para captarla correctamente usaremos el filtro partido. Los filtros vienen por pasos, así que hay que saber qué diferencia hay entre una luz y la otra.
    1. Medir el primer plano. Hacemos zoom al primer plano con prioridad de apertura. 

    2. Medir fondo. Hacemos zoom al fondo en prioridad de apertura. 

    3. Recomponemos, pasamos a manual. f11, 1/15 y ponemos el filtro de 2 pasos.


Tim Cooper dice que ya no usa filtros porque el modo HDR es mucho más cómodo con photoshop.

 HDR

Cada escena necesita un número diferente de exposiciones para un HDR perfecto.
Lo ideal es empezar por los tonos claros, es decir velocidades rápidas (las primeras saldrán oscuras) y seguir hasta llegar a las velocidades bajas.
Una vez en el ordenador elijes las imágenes adecuadas para formar la imagen final.


martes, 15 de abril de 2014

14º Día Mundial de la Fotografía Estenopéica

El próximo 27 de abril se celebra el Día mundial de la fotografía estenopéica o Pinhole. Todo el mundo está invitado, incluso en multitud de países se organizarán eventos, ¡préparate para participar!


¿No conoces la fotografía estenopéica? Bueno, es normal, hace 2 semanas tampoco yo sabía lo que era. Para resumir es la fotografía en su técnica originaria. Una caja con un agujero y material sensible a la luz al fondo de la caja. Como supongo que muchos habréis abandonado ya la película fotográfica os esplicaré como modificar vuestra cámara digital.



No tengáis miedo, no se estropeará. Sólo necesitáis una nueva tapa para el cuerpo de cámara (para no estropear la original). En ebay las encontraréis por nada y aún dará tiempo para que la recibáis para participar en el encuentro mundial.

Procedimiento

En la tapa del cuerpo de la cámara deberéis hacer un agujero de 5 mm y en un trocito de aluminio de una lata de refresco un agujero de entre 0,7 y 0,2 milímetros. Podéis usar una aguja. Pasar una lija fina para alisar el orificio.




Atentos, aquí debéis usar una fórmula matemática. El diámetro del agujero del aluminio debe tener una relación de 1/125 o 1/250 de la distancia focal.
La distancia focal es la distancia desde el sensor a la tapa. El sensor está marcado en el cuerpo de la cámara con un símbolo similar a este:
Por ejemplo, mi Nikon tiene una distancia focal de 50mm, si la dividimos por 125, sale 0,4 mm.





Lo mejor es pintar de negro lo que se vea del aluminio por dentro para evitar reflejos.



Normalmente no se tienen agujas tan finas en casa, las más habituales con del nº7 que son de 0,7 mm. Para este caso hay una solución sencilla, siempre y cuando tengáis un tubo de extensión.
Usando la fórmula matemática, con un 0,7mm salen unos 87mm. Así que, sólo hay que añadir algunas partes del tubo de extensión. Si no los tenéis hacer el agujero con cuidado para no superar los 0,4 mm.


Quedaría así:





Ahora, todos a preparar vuestras fotos y a participar el día 27 en http://www.pinholeday.org


lunes, 14 de abril de 2014

¿Qué velocidad de obturación es adecuada para disparar a mano?

La velocidad de obturación y la apertura de diafragma son los dos factores principales que tenemos que tener en cuenta para conseguir imágenes nítidas. La velocidad de obturación es la responsable del tiempo que está abierto el obturador. La apertura de diafragma es la responsable de la profundidad de campo y de la cantidad de luz que llega al sensor. Una vez que te familiarices con estos conceptos verás que el obturador influye en más cosas que en dejar pasar la luz.

Imágenes borrosas

Si fotografías por la noche y usas una velocidad muy rápida, la imagen saldrá subexpuesta. El obturador se cierra demasiado deprisa para dejar pasar una cantidad de luz suficiente. De otra forma, si eliges una velocidad muy lenta, puedes correr el riesgo de sobrexponer la escena. Algunas veces  cuando la velocidad de obturación es demasiado lenta las imágenes pueden salir borrosas. Algunas imágenes borrosas pueden ser interesantes si se hacen con alguna intencionalidad específica, pero no son buenas si surgen por accidente.

 
ISO 200  29 mm  f/8  1/60 s

La velocidad de obturación es uno de los factores principales para la claridad de la imagen. Un imagen borrosa accidental es avitualmente causado para sostener la cámara con la mano cuando la velocidad es baja. Es realmente difícil tomar una foto con velocidad muy baja y obtener una imagen completamente nítida. Puedes tener muy buenas intenciones y todos los cuidados del mundo, pero puede ser imposible.

 Árboles

Árboles (detalle)
ISO 200  26 mm  f/14  1/10s

¿Cuál es la menor velocidad que puedes usar?

Por norma general, está entre 1/80 s y 1/50 s. Sin dificultad puedo disparar a 1/80 sin tener nada borroso y algunas personas con buen pulso logran fotos perfectamente nítidas a 1/50. Cada uno es diferente y sólo tu experiencia y tu conocimiento personal puede hacerte encontrar la velocidad que mejor manejes.

La regla general para conseguir imágenes nítidas sin trípode es establecer la velocidad con respecto a la distancia focal del objetivo. Si estás trabajando con un objetivo de 50mm entonces trata de disparar a no menos de 1/50. Si montas un objetivo de 200mm, no menos de 1/200. Cuanto más larga la lente, más rápido tendrás que disparar. Esto es debido a que cuando más amplías la imagen, más tiembla la imagen y se mueble el plano. Esto lo puedes contrarrestar subiendo la velovidad.

Piedra Hueca
 
 
Piedra Hueca (detalle)
ISO 200  26mm  f/14  1/30s

 El menor movimiento puede distorsionar la imagen. Puede venir simplemente por respirar o estar de pie. Si disparas con una réflex digital, serás capaz de ver la distancia focal que vas a usar mirando la montura del objetivo. Alrededor de la lente hay una secuencia de números. Si tienes una lente de 24 a 105 mm, verás unos números que van desde 24 a 105. Por ejemplo, si ves que el indicador apunta a 85 entonces estás trabajando a 85 mm. Eligiendo una velocidad de 1/85 o superior la claridad de la imagen aumentará. Sin embargo, hay un límite.

No puedes usar esta regla para velocidades muy lentas a menos que uses un trípode. Por ejemplo, si fotografías un paisaje a 20mm y eliges una velocidad de 1/20s no conseguirás una nitidez absoluta (como la imagen de Piedra Hueca de arriba)

Una vez que sepas como conseguir nitidez, no necesitarás editarla en postproducción para conseguirla. 
Ahora, sólo queda coger tu cámara y salir a practicar.


viernes, 4 de abril de 2014

Profundidad de campo

Saber manejar la profundidad de campo es lo que diferencia un fotógrafo profesional de un aficionado. Es fácil de distinguir, pero controlarlo es algo complicado.

¿Qué es?

Primero, ¿qué es la profundidad de campo? La profundidad de campo de una imagen es la distancia entre el punto más cercano y el más lejano que están en foco. A mayor profundidad de campo, más cantidad de imagen estará en foco. Normalmente los paisajes se hacen con una gran profundidad de campo, mientras los retratos se hacen con poca profundidad de campo.

¿Cómo manejarlo?

Hay 3 variantes a tener en cuenta:
- Apertura
- Longitud focal
- Distancia del sujeto

Apertura
Es la opción más popular y, al fin y al cabo, la más sencilla de manejar. En resumen es: cuanto mayor apertura (f 4 - 5.6) menor profundidad de campo; cuanto menor la apertura (f 16 - 18) mayor profundidad.

f 5.6

f 29

Longitud focal
Es decir, el tamaño del objetivo. Cuanto mayor es el objetivo, menor es la profundidad de campo. Por eso, cuando usamos zooms parece que la todo se ha aplastado en la fotografía. Y si hay una distancia considerable entre el primer plano y el fondo, dará igual la apertura que le pongas, porque el fondo siempre saldrá fuera de foco.

Distancia del sujeto
Esta técnica es muy útil con ópticas fijas (prime lenses), al no tener zoom es necesario estar muy cerca del sujeto para tener un buen fondo desenfocado. Así que, cuanto más cerca, menos profundidad.

Os dejo este vídeo de B&H, tienen unos tutoriales muy buenos, aunque están en inglés. Kelly Mena explica lo mismo que yo he resumido en el post, pero es interesante verlo por las imágenes de ejemplo que ponen.


Ya sólo queda ¡disparar!

sábado, 29 de marzo de 2014

Módulo revelar de Lightroom

El módulo revelar es el centro de lightroom. Como ya he comentado la biblioteca es una herramienta muy útil, pero a nadie se le escapa que si instalamos un programa de edición lo que nos importa es editar las imágenes.
Lightroom no tiene capas como photoshop, pero tiene las herramientas esenciales de edición fotográfica. Muchas imágenes las empezaremos y terminaremos de editar en este programa sin necesidad de ningún otro.
Como son muchas las herramientas a explorar y para no confundiros lo mejor es seguir a los profesionales. Hay muchas webs especializadas en tutoriales, pero la que más me ha gustado sobre lightroom es www.sololightroom.com

Empecemos por un vídeo general:


Sololightroom.com tiene vídeos específicos de determinados ajustes o herramientas. Por ejemplo, el menú HSL (tono, saturación y luminancia). Yo intento tocarlo lo menos posible, porque si algo he aprendido es que "si no controlas algo, no lo toques". Es un vídeo corto y muy bien explicado.


Un control esencial es el enfoque. Si trabajamos en raw (algo esencial y que si no lo haces lo estás haciendo mal) al importar las fotografías te sentirás decepcionado al principio. A todos nos pasa. El raw es un negativo que no tiene mucho detalle y necesita muchos ajustes, entre ellos el enfoque. Lightroom efectúa un enfoque predeterminado al importar las fotografía, pero algunas es necesario trabajarlas un poco más:


Bueno, os animo a seguir profundizando en la web de Solo Lightroom, es muy interesante.

Y con este post termino mi pequeña presentación de lightroom.